I Am A Hero. Los Perdedores en el Apocalipsis Zombie.

Los muertos vivientes están por todos lados. Aunque recientemente se vislumbre un panorama menos plagado de ellos, a diferencia de hace un lustro o poco más, podría decirse que desde finales de los setenta y principios de los ochenta que los zombies no gozaban de estar bajo el reflector de la cultura pop tanto como ahora. Niños, jóvenes, adultos sin importar su sexo pueden disfrutar de las historias que se valen de estos devoradores de personas como elementos dentro de su estructura, ¡incluso hasta muñecas y  películas románticas sobre zombies existen! (Evítese el empalague de Warm Bodies si es usted un fanático del género).

La omnipresencia del género zombie puede convertirse en un problema, porque al verse diluido con otras fórmulas corre el riesgo de desvirtuarse hasta convertirse en una parodia de sí mismo.

I Am A Hero, de Kengo Hanazawa es una de las obras que se esfuerza por mantener el espíritu del zombie atascado de viseras y empapado en sangre. Balanceando con precisión la sátira y el drama, Hanazawa logra tomar la premisa básica del apocalipsis zombie en su estado inicial y jugar con ella hasta convertirla en un argumento con elementos poca veces antes vistos.

I Am A Hero cuenta con Hideo Suzuki como protagonista. Un mangaka (creador de mangas) de 35 años a quien le ha tocado bailar con la más fea durante toda su vida. Su serie de mangas recién fue cancelada y trabaja como asistente de arte en las obras de un autor más prominente; su novia le quiere, pero se vive restregándole en la cara el éxito de su antiguo mentor y amante y se la vive atemorizado por entes que sólo habitan en su imaginación. Hideo no tiene las de ganar, pero afortunadamente para él, el mundo en el que vive como un perdedor está a punto de irse al diablo.

En japonés, el kanji de Hideo es el mismo que el de Hero. De ahí el nombre.

Muchas cosas hacen de I Am A Hero una pieza única en su género. Los zombies, por ejemplo, son un todo nuevo híbrido. No son personas que mueren y vuelven con un apetito voraz por carne humana, no son víctimas de un virus de rabia que les infecta a una velocidad vertiginosa y ciertamente no escapan de sus tumbas para cazar a los vivos. Los ZQN, como Hanazawa nombra a sus zombies, sufren un proceso de degradación mental que los lleva de la lucidez a la irracionalidad en un periodo de tiempo indefinido; poseen vestigios de las personas que fueron antes de convertirse y retienen ciertos hábitos de rutina como cargar un portafolio, traer a sus bebés en brazos o practicar salto de altura, porque sí, los ZQN son ese tipo de zombies con los que Boyle llenó nuestras pesadillas en 28 Days Later: implacables, veloces y fuertes (incluso los bebés ZQN son unos diminutos salvajes que recuerdan a uno que otro primito), lo que siempre puede resultar contraproducente si no se explota de manera correcta. Por suerte para nosotros, Hanazawa emplea el recurso de la criatura imparable para contrastar con la tranquilidad y el orden idiosincráticos de la sociedad japonesa.

Usted a las tres de la mañana cuando baja por cereal a la cocina.
Usted a las tres de la mañana cuando baja por cereal a la cocina para seguir netflixeando.

De ahí parte otro punto a favor de la particularidad de I Am A Hero. El modelo de la sociedad durante un apocalipsis zombie ha sido perpetuado de manera casi invariable desde que George A. Romero salpicó al séptimo arte con los sesos y las tripas de Dawn Of The Dead: los más fuertes (casi siempre figuras de autoridad en el mundo antes de que todo terminara) forjan nuevas comunidades y refugios cuya paz se verá interrumpida cuando un grupo de criminales o una horda hambrienta de muertos vivientes rebase sus defensas. En el Japón de Hanazawa, (el Japón real, quisiera pensar) las fuerzas del orden público están entre las primeras bajas, porque la tierra del sol naciente no es ‘Murica, los policías no disparan a los civiles sólo porque se pongan un poco agresivos y quieran mascarles la oreja; tampoco hay ciudadanos con armas de fuego en sus casas que formen unidades de protección contra los infectados. Irónicamente, en I Am A Hero, quienes que heredan la tierra son los Hikikomori, que es nipón para “individuo que evita la interacción social con otras personas y se recluye a una vida en su habitación”. La dinámica entre los personajes se vuelve completamente diferente cuando son los relegados sociales quienes intentan tomar las riendas del nuevo mundo, porque muchos de ellos no quieren volver a una realidad en la que la vida les ha dado la espalda para convertirlos en los segundones de sus propias vidas y prefieren vivir bajo esa nueva perspectiva donde pueden ser alguien totalmente nuevo, comenzar desde cero y aprovecharlo a cada momento.

"¿Ya escuchaste la nueva de Justin Bieb...?"
“¿Ya escuchaste la nueva de Justin Bieb…?”

Hanazawa toma las costumbres de Japón y las incluye como un gatillo narrativo para mostrar un escenario realista y diferente a la mayoría de las obras sobre el tema, un mundo donde los perdedores, los socialmente disfuncionales, se vuelven sobrevivientes, líderes y, si la ocasión se presta, héroes.

Otra de las cosas que llamó mi atención lo suficiente para adquirir por primera vez un manga (en 27 años de vida jamás había comprado o leído uno) es una muy poderosa: visualmente, I Am A Hero está lleno de realismo. El detalle en cada viñeta es impresionante. De vez en cuando Hanazawa utiliza el recurso de los personajes bocones u ojones a los que Ranma ½ y Dragon Ball nos acostumbraron a muchos durante la infancia, pero en su gran mayoría, los paneles se encuentran plagados de un realismo casi cinematográfico, como si su autor estuviera cambiando constantemente de lente como el más dinámico y acertado de los cinefotógrafos que juega con la forma de capturar imagen en movimiento para transmitir sensaciones y capturar al mismo espectador dentro de una historia llena de tensión y sobresaltos, pero también de emociones y personajes sinceros, complejos y repletos de humanidad.

Desde Dead Alive (Braindead) que un bebé zombie no causaba tanto pavor.
Desde Dead Alive (Braindead) que un bebé zombie no causaba tanto pavor.

Con un argumento sólido que encuentra la forma de ser original en un campo tan restringido, protagonistas improbables, escenarios realistas, una nueva y feroz representación del infectado, una live-action en camino y 13 números publicados Panini Manga por al momento de esta reseña, I Am A Hero es de las mejores obras narrativas zombies que pueden encontrarse, no sólo en el ámbito manga, sino en cualquier medio. Un must no solo para los seguidores del género o para quienes gocen de un buen susto, sino para quien busque una buena historia, porque en estos días en el género del terror, éstas se encuentran un poco escasas.

Pluscreeps #5. Trick r’ Treat

El velo que separa el mundo de los vivos del de los espíritus se ha vuelto más delgado. Las almas de los seres queridos, así como las de malvados entes aguardan con ansías para regresar un año más al mundo material en el que existimos, y no hay mejor manera de celebrar su llegada que construyendo altares para honrar la memoria de los buenos, y ocultando nuestra identidad en disfraces para evitar ser víctimas de los malos.

“No, señor espíritu chocarrero. No hay niños aquí, sólo monstruos y animales del bosque.”

 

En el espíritu de la celebración, una nueva tradición ha labrado su camino a través de nuestros tiempos hasta nuestras salas de estar. Una tradición basada en la sana convivencia entre amigos y los sustos colectivos, en apagar las luces y disfrutar por unas cuantas horas de una realidad en la que las pesadillas se vuelven reales, en la que ver el sufrimiento de otras personas se convierte en nuestra retorcida diversión de la noche. Los maratones de películas llegaron para quedarse. Y como un excelente aperitivo para la noche más escalofriante del año, en esta edición de Pluscreeps les traemos la representación fílmica de lo que toda festividad de Halloween debería de ser: sangrienta, llena de gritos, sustos y diversión.

Trick r’ Treat (Dougherty, M., 2007) es un largometraje que tuvo un éxito decente en taquilla, pero desde su lanzamiento se ha hecho de fama en el circuito de los entusiastas del cine de terror. La película hila 5 terroríficas historias que transcurren en la oscuridad de una noche de Halloween: mientras un pueblo entero celebra con bombos y platillos la llegada de la celebración, una mujer descubre los peligros de ignorar viejas tradiciones; un director de escuela revela su alter ego como asesino serial; una mujer virgen se separa de su grupo de amigas en búsqueda de alguien que haga de su primera vez algo especial; un grupo de niños desvía su ruta de dulces para llevar a cabo una travesura de muerte; un viejo solitario y apático se enfrenta a una fuerza que podría cambiar su perspectiva sobre la noche de brujas.

“¿Tengo algo en los dientes? Oh sí, ¡tu sangre!”

 

La película además presenta a una nueva criatura digna de un lugar en el museo de los monstruos del cine de terror, el pequeño, adorable y sanguinario Sam, la encarnación del espíritu del Halloween -cuyo nombre proviene del Samhain, antigua celebración celta de donde la noche de brujas toma su origen- preparado para castigar a quien ose no cumplir con las sagradas tradiciones de la celebración.

“Ay, coso. ¿Qué harás con esa paleta con bordes filosos?”
“Tus manitas son tan pequeñas. Me muero de tenura”
“Bueno, definitivamente me voy a morir, pero no de ternura”

La colección de historias es ideal para que un grupo de amigos se sienten alrededor de la televisión y sean testigos de que todo es posible en la penumbra que cobija a los espectros por una noche. La magia detrás de Trick r’ Treat esta disfrazada, pues en esta película pocas cosas son lo que parecen.

Pluscreeps #4 Dead Space

También hay Pluscreeps para gamers, y en esta ocasión la recomendación está para mojar el sofá y tirar el control del miedo.

Las consolas de videojuegos tampoco han estado ausentes de espantos. Como medio ofrecen una ventaja inmersiva que ninguna otra plataforma de entretenimiento puede igualar. Desde la llegada de Alone In The Dark a las computadoras y Resident Evil a las consolas, el potencial que el survival horror vislumbró una nueva forma de experimentar el miedo atrajo a fanáticos del género e historias inspiradas en viejas fórmulas narrativas del cine o la literatura fueron reinventadas en este nuevo formato de entretenimiento.

Una de las sagas de survival horror más exitosas de la generación pasada toma influencia de películas como Alien (Scott, R. 1979), The Thing (Carpenter, J., 1982) e incluso Event Horizon (Anderson, P.W.S., 1997), emulando la sensación de desesperación y muerte que sólo la soledad del espacio es capaz de brindar.

En el USG Ishimura nadie te escuchará gritar.

 

En Dead Space el jugador controla a Isaac Clarke (nombre dado por los creadores a partir de la combinación de Isaac Asimov y Arthur C. Clarke), un ingeniero espacial que debe abrirse paso a través de la nave USG Ishimura, infestada de cadáveres reanimados y mutados llamados necromorfos, creados por La Efigie Negra, un artefacto alienígena y base de la religión de la Uniología. Armado con un cortador industrial de plasma, Clarke debe surcar por habitaciones plagadas de necromorfos con el objetivo de reparar la USG Ishimura y encontrar a su novia Nicole en el proceso.

“Evening, Jarvis.”

Sangre a borbotones, ambientes tensos, diseño de monstruos propio de una pesadilla y hartos jump scares hacen de la saga de Dead Space, un must de la temporada para quienes disfrutan de jugar a oscuras, con las manos sudorosas y la respiración agitada, con incertidumbre de que algo se movió en las sombras de su sala.

Un necromórfo dentista. Una nueva dimensión en terror.

 

Video bonus: Porque terminarlo es igual de divertido que morir en el intento.

Pluscreeps #3. Frankenstein o El Moderno Prometeo de Mary W. Shelley.

Los sustos van más allá del medio audiovisual. Eso lo sabemos muy bien, y por eso, hoy les traemos la primer recomendación literaria de Pluscreeps.

A través de los siglos, en los anales de la historia de la humanidad, el terror ha encontrado su cauce en forma de mitos y leyendas que son pasadas de generación en generación.

Con la llegada de la palabra escrita, la imaginación del hombre encontró en la literatura un medio de recreación para el reino de lo dramático y lo fantástico, sin embargo tomaron varios siglos para que uno de los géneros más inventivos fuera… bueno, inventado: la ciencia ficción.

Uno de los primeros precedentes se encuentra disfrazado de terror gótico en una novela escrita por la jovencilla Mary W. Shelley a raíz de una competencia en la que ella, su esposo Percy Shelley, Lord Byron y John Polidori decidirían quien escribía una mejor historia de terror. Lord Byron y Percy Shelley nunca concluyeron sus escritos, pero John Polidori lanzó uno de los antecedentes de la literatura vampírica romántica (No, no Twilight): El Vampiro. La escritora, por su lado, gestó la macabra historia que hoy merece la mención en este espacio.

Elsa Lanchester como Mary W. Shelley en La Novia de Frankenstein

Shelley hace también gala de los elementos presentes en el movimiento romántico de la época para narrar la tenebrosa y ambiciosa cruzada del joven estudiante Victor Frankenstein por crear vida a partir de materia muerta en un intento por emular la creación del hombre por Dios. Sin embargo, Frankenstein ignora que dar vida a una criatura/monstruo a partir de cadáveres conlleva trágicas consecuencias al traer muerte y sufrimiento sobre la vida de su creador.

La historia de Frankenstein ha sido adaptada en múltiples ocasiones en cine y televisión. Entre las interpretaciones más memorables de la criatura podemos encontrar la de Boris Karloff en las primeras dos adaptaciones de la Universal, la de Fred Gwynne como el atolondrado padre de familia en The Munsters, la hilarante de Peter Boyle en la merecedora de una entrada propia Young Frankenstein y la de Robert De Niro en la adaptación más fiel hasta el momento. Pero ninguna de las encarnaciones se iguala a la versión que ocurre en la cabeza del lector, mientras recorre los atormentados pensamientos de un hombre arrepentido de sus acciones que debe hacer frente a las macabras ramificaciones causadas por su complejo de Dios.

De Niro y la versión más realista del Monstruo.

Se aconseja aprovechar el clima lluvioso de la temporada para disfrutar aún más su lectura nocturna.

Que los espíritus sean gentiles con ustedes esta noche, queridos plusbiteros. Muajajaja.

Pluscreeps #2 La Trilogía De Los Muertos.

Esta aportación estaba destinada a ser una de las clausuraran esta nueva sección de recomendaciónes halloweenescas de Plusbits, sin embargo nos aprovechamos de que el Cineclub de la UASLP las incluirá en su ciclo Post Mortem en un maratón de permanencia voluntaria y aprovechamos para atascarles sus monitores de sangre y tripas con la recomendación del día de Pluscreeps.

En 1968 George A. Romero y John Russo reinventaron el subgénero del zombie en el celuloide. Antes de la llegada de The Night Of The Living Dead, el término en el cine estaba directamente relacionado con cintas que tocaban el tema del vudú y de la criatura como una persona vuelta a la vida con magia negra que estaba condenada a obedecer a su reanimador por el resto de su no-vida. White Zombie (1932) y I Walked With A Zombie (1943) son un buen par de ejemplos de esta primera etapa de nuestros contemporáneamente queridos muertos vivientes.

El aporte máximo de la dupla creativa fue deshacerse del elemento de control que representaba el amo de las criaturas y darles un objetivo básico pero mortal: alimentarse de carne humana. Así, una sola película en blanco y negro, abrió el universo de posibilidades con las que el apocalipsis zombie entretiene a millones de espectadores -y en algunos casos les obliga a la reflexión sobre problemáticas sociales – hasta la actualidad.

Y pensar que es el abuelito de alguien…

The Night Of The Living Dead fue la base sobre la que Romero continúo construyendo gran parte de su carrera fílmica. En ella un reducido grupo de extraños convergen en una casa en el campo e intentan sobrevivir una noche llena de cadáveres andantes.

“Bruh, yo comía personas antes de que fuera cool”

 

Para Dawn Of The Dead, el ficticio escenario que Romero había esbozado en The Night… se tornó más gris. En medio de una guerra abierta entre los muertos contra los vivos, y en ocasiones los vivos contra los vivos, un par de miembros del S.W.A.T., un piloto de helicóptero y una mujer encuentran en un centro comercial el refugio ideal para presencial el desastre que las hordas de zombies dejan a su paso.

“Señora ¿cuenta con tarjeta de crédito?.”

En Day of The Dead ya todo está en el basurero. Los seres humanos dejaron de ser la especie dominante, los muertos poblaron el planeta Tierra y Arjona sacó un disco nuevo. En un búnker militar un puñado de científicos investigan la manera de acabar con la pandemia mientras que miembros del ejército sobrecargados de testosterona dejan de tener fe en una posible solución.

Cuando tu rola favorita sale en aleatorio.

Sabemos que continúan Land Of The Dead, Diary Of The Dead y Survival of the D…, ya saben, pero venga, pregunta a cualquiera cuál película de la serie de los muertos de Romero es su favorita, y una de las tres primeras será la respuesta.

¿Por qué da miedo?

La hipótesis que Romero plantea a lo largo de su saga es muy clara, y es algo que en momentos de crisis se vuelve algo más tangible: Los humanos somos de temer. Los zombies podrán ser los antagonistas principales en estas películas, pero de quien de verdad deben cuidarse los protagonistas es de los otros supervivientes, porque en un escenario donde el mundo se resetea, ¿qué impedirá que la maldad se vuelva algo natural? El hombre es el lobo del hombre.

Aprovechen y disfruten de la oportunidad de ver la trilogía original a oscuras y en la pantalla grande.

El ciclo zombie del Cineclub

 

Si esta noche alguien toca en sus ventanas, no se asomen, plusbiteros, puede ser el último rostro que vean.

Mañana nueva recomendación en Pluscreeps. Muajaja.

Pluscreeps #1. Garfield’s Halloween Adventure.

Frescas brisas que soplan al atardecer, hojas de tintes cálidos que crujen bajo los pies de los peatones y esqueletos que comienzan a asomarse por las ventanas de los hogares marcan el inicio del mes más espeluznante del año: octubre ha llegado.

El inicio del mes que alberga la festividad de Halloween es la excusa perfecta para hacer las recomendaciones debidas a todas aquellas personas que se preparan para recibir a los espíritus, duendes, brujas, vampiros y demás criaturas de la noche que merodearán por nuestro plano terrenal cuando el calendario marque el día 31.

Cientos de libros, películas, series de televisión, obras de teatro, música y videojuegos han nutrido sus historias con el folklor que envuelve esta fecha tan esperada por millones de personas de todas las edades a través del mundo, y como un medio digital, es nuestro deber, ¡no! nuestro pri-vi-le-gio proveer una lista de producciones merecedoras de una buena hojeada por todos aquellos entusiastas de la festividad más noble del año, aquella que permite a un hombre adulto disfrazarse como un pokemón y no ser un imán de burlas en su círculo de amigos –a menos que ese pokemón sea de Magikarp, porque… bueno.- Sin más preámbulos, bienvenidos al día uno de PLUUUUUSCREEEEEEEPS –track risa de Vincent Price aquí-

 

Garfield’s Halloween Adventure

¡Caaaaa-raaaaa-melos, caaaa-raaaa-melos, caaa-raaa-melos, caa-raa-melos, ca-ra-melos!

Antes de que Garfield tuviera su serie animada Garlfield And Friends de 1988 a 1994, tuvo una serie de 9 especiales animados de 1982 a 1988. Uno se ellos, el más sombrío sin duda, es Garfield’s Halloween Adventure, en el cuál el felino flojo y glotón y su fiel acompañante Odie viajan de casa en casa recolectando dulces hasta que la ambición por golosinas los obliga a cruzar un río para llegar a la casa que se encuentra a la otra orilla, pero poco saben sobre la maldición de la que ambos peludos están a punto de ser testigos.

¿Por qué da miedo?

A pesar de ser una película familiar, Garfield y Odie se topan con una serie de escalofriantes personajes a través de su aventura que ponen la piel de gallina si uno se pone a pensar demasiado en ello. Encima, el rostro del personaje del anciano que hace su aparición es de verdad algo en lo que uno no quiere pensar antes de dormir.

Garfield veía gente muerta antes de que fuera cool

 

Garfield’s Halloween Adventure es un divertido arranque para chicos y grandes lleno de interesantes musicales y unos cuantos sustos. Una apropiada llamita para encender el espíritu de los amantes del terror en este excelente mes.

Estén pendientes a cada nueva recomendación en Pluscreeps. Que esta noche no les agarren los pies cuando se paren a apagar la luz de sus cuartos, plusbiteros. Muajaja.

De la tele de la sala a las salas de cine. Cineastas que comenzaron en MTV

Durante el alba del cine no existía escuela o guía que dictara las reglas sobre como debería producirse esta nueva forma de expresión. El terreno del arte virgen se vio invadido por cientos de directores de teatro que esculpieron las técnicas narrativas formales de esta prometedora plataforma de los sueños. Pero los tiempos cambian, y los formalismos también. Siempre habrá una nouvelle vague para un cine clásico de Hollywood, un Martin Scorsese para un David Lean, una Amores Perros para una Zapatos Viejos.

Una de las últimas grandes transformaciones que acontecieron en las salas de cine tuvo su origen un lo que sangronamente pudiéramos referirnos como “la caja idiota” -término que desprecia quien lo escribe pero que emplea de manera ilustrativa-. Las ondas de la piedrita lanzó Michael Jackson en las aguas del océano audiovisual con su video Thriller nos han alcanzado hasta pleno siglo XXI en forma de películas como 500 Días Con Ella (500 Days Of Summer, Marc Webb, 2009) Ella (Her, Spike Jonze, 2013), Perdida (Gone Girl, David Fincher, 2014) y –de manera más catastrófica- cualquier película de Transformers, del sensacional… perdón, ¡del sensacional Michael Bay! –onomatopeya de explosión aquí-.

Nuestra generación ha sido testigo de la simbiosis que sufrieron el cine y el video musical. Videos que parecen películas y películas que parecen videos. Las técnicas de un medio han influenciado en el otro por más de dos décadas, y esto es culpa nada más y nada menos de quienes han brincado la barda de MTV para apostar por una carrera en las superproducciones del séptimo arte. Cineastas como los arriba mencionados –y más por mencionar- comenzaron en el reino de la televisión musical dirigiendo para músicos como Weezer, Nine Inch Nails, AFI, Coolio, Massive Attack, Madonna, Marilyn Manson, Radiohead, Björk, y un sinfín de talentos musicales, hasta que su inquietud por contar historias los llevó a plasmar su particular estilo en la pantalla grande. A continuación una breve selección de aquellos directores que han ayudado a darle nueva forma al cine contemporáneo.

 

Michel Gondry

Detrás de la sencillez de los videos realizados por Michel Gondry, existe una imaginería compleja que obliga a partirse la cabeza. Michel Gondry es un artesano surrealista del video musical que en gran parte de sus audiovisuales se puede observar un arduo trabajo de pre producción. Gondry se vale de trucos ópticos, efectos especiales absurdos y paletas de colores llamativas para hacer de la música un atractivo visual como ningún otro.

Largometrajes como Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (2004) o Be Kind Rewind (2008) son una muestra del ingenio artesanal al que el francés recurre como herramienta narrativa, que no siempre está a las faldas de los cuantiosos recursos económicos.

 

Spike Jonze

Spike Jonze contribuyó a la excentricidad de los años noventa con su trabajo en los videos musicales. Además de ser uno de los creadores de la popular serie Jackass, Jonze forjó su figura artística con videos tan creativos como la década misma. El ridículo quedó fuera de su vocabulario y se lanzó a explorar la cultura pop con poco presupuesto, pero mucha imaginación al realizar videos sobre enfrentamientos entre mechas japoneses –Intergalactic de Beastie Boys-, presentaciones en un viejo programa de los setenta –Buddy Holly de Weezer– o emulando al Karate Kid en una competencia de danza rítmica-Elektrobank de The Chemical Brothers-.

Dado su brinco al celuloide, Jonze se volvió más sobrio en forma, pero no en fondo, y largometrajes como Being John Malkovitch (1999) o Her (2013) dan cuenta de que la peculiaridad y la frescura que le caracterizaron como director de videos musicales no solo no han perdido fuerza, sino que han madurado para crear unas de las piezas cinematográficas más substanciales y originales de su generación

 

 

Jonathan Glazer

También miembro de aquella élite audiovisual que definió la imagen de decenas de artistas a mediados de los noventa, Jonathan Glazer apostaba a videos con un diseño más conceptual, atrevido, experimental y en ocasiones, más perturbador.

Tras crear videos que acompañaran la música de números musicales como Jamiroquai, Blur, UNKLE, y Radiohead, Glazer recibió una cálida bienvenida por la crítica cinematográfica con el largometraje Sexy Beast (2000). Recientemente nos mostró lo que puede hacer con esteroides creativas con Under The Skin (2013), su tercera producción, en la que incluso se tomó la libertad de desnudar a Scarlett Johansson bajo una mirada que no provoca la reacción que uno esperaría de ver a Scarlett Johansson con su traje de nacimiento.

 

 

Marc Webb.

Como miembro de la juventud inconforme que el nuevo milenio estaba criando, ver MTV era parte de mi rutina diaria. Fue a esa edad cuando comencé a apreciar lo intrincada y novedosa labor de crear imágenes en movimiento para una canción en especial. AFI, My Chemical Romance, P.O.D., Green Day, Evanescence, tenían videos que por más extraño que sonara contaban con unidad visual, un ojo que veía las cosas de una manera más emocional y sombría. No era una coincidencia, sino era responsabilidad de Marc Webb.

En 2009 Webb llevó su refrescante espíritu independiente al cine y deleitó a fanáticos y extraños con la comedia romántica 500 Days Of Summer, en la que incluso se tomó la libertad de incluir un acto musical coreográfico digno de un video de Björk, para luego dirigir el primer reboot de Spider-Man en el cine con The Amazing Spider-Man y su secuela.

David Fincher

En el siglo pasado, a mediados de la década de los ochenta el que otrora fuera el canal más importante de videos musicales, MTV (sí niños, antes en MTV se transmitía música) comenzó a transmitir los videos del joven David Fincher, quien tardaría unos años en evolucionar al director de mirada fría, mecánica y desapegada que ahora tanto críticos como público reverencian.

Tras dirigir a Madonna, Iggy Pop, Patti Smith, entre otros, Fincher cambió el blanco y negro en alto contraste de sus videos musicales por los mostazas y los grises de Alien 3 (1992) película que recibió una menos que tibia recepción en las salas de cine y en las opiniones de los especialistas. Sin embargo, tres años después, Fincher se sacudió de la mala experiencia (bendito sea el Dios del cine) para comenzar de nuevo su carrera con Se7en (1995), y no ha parado desde entonces. The Game (1997) , Fight Club (1999), Panic Room, Zodiac (2007), The Curious Case Of Benjamin Button, The Social Network, The Girl With The Dragon Tattoo y la más reciente, Gone Girl (2014), donde confirmó a incrédulos lo que muchos ya sabíamos, Ben Affleck sabe actuar.

 

Floria Sigismondi

Cuando Marilyn Manson necesitó una identidad visual perturbadora que hiciera armonía con lo trasgresor de su número musical, busco a la artista plástica vuelta directora de videos Floria Sigismondi, quien por más de dos décadas ha plagado de imaginería surrealista a artistas como David Bowie, Sheryl Crow, Leonard Cohen, Interpol, The Cure, The White Stripes y hasta Christina Aguilera.

Como carta de presentación a los proyectores en las salas de cine, Sigismondi eligió la historia de The Runaways (2010), la mítica banda de mujeres que parió a Sandy West, Cherrie Curry, Lita Ford, Jackie Fox y más prominentemente a Joan Jett a la escena musical mundial. En el retrato fílmico de la banda de rock, Sigismondi hace gala no de su destacable habilidad surrealista, sino de su enérgico estilo visual para capturar la intensidad con la que The Runaways marcó su breve pero significativo paso a través de la historia del rock n’ roll

Bonus Mexicano:

Fernando Eimbcke

A finales de los noventa, si una banda buscaba algo más para sus videos que paseos en el desierto y los colores en sepia, buscaba a Fernando Eimbcke, cuyos trabajos casi siempre destacaban por funcionar como un añadido conceptual, y en ocasiones narrativo, a la temática de cualquier canción. Fotografía de Jumbo, Mr. P. Mosh de Plastilina Mosh y Rastamandita de Molotov son sólo algunos de los trabajos con los que Eimbcke engalanó las televisiones de los hogares mexicanos por años.

El egresado del CUEC, dirigió su primer largometraje en 2004, Temporada De Patos, donde desde entonces ha cobijado su carrera cinematográfica bajo el manto de la adolescencia y los conflictos personales conlleva los primeros pasos hacia la adultez con un humor que no está ausente de inteligencia y reflexión.

¿Algún favorito?

Wes Craven se fue. Las pesadillas no.

Wes Craven ha muerto. Cáncer de cerebro. Según el comunicado oficial murió en paz y rodeado de sus seres queridos. Tal vez demasiada paz para alguien que pasó la mayor parte de su vida aterrando a millones de espectadores. Por más de 40 años se encargó de horrorizar audiencias con largometrajes atípicos y en ocasiones innovadores en el género. Ayer dejó de imaginar. La muerte ha decidido llevárselo a través de ese maravilloso órgano suyo, culpable de dejar a niños y a adultos sin dormir por temor a lo que acecha en las sombras o a morir horriblemente en las pesadillas. Continuar leyendo “Wes Craven se fue. Las pesadillas no.”

Over The Garden Wall. La nueva joya de Cartoon Network

En el mundo de la narrativa, de vez en cuando aparece una obra que sin importar su medio -película, novela, cuento, obra de teatro, etc.- logra conmover las fibras mismas de nuestros corazones, no sólo por contar una buena historia, sino porque alcanza a conectar con nosotros a un nivel mucho más profundo. Los miedos, manías, deseos o impulsos de sus personajes coinciden con los nuestros, y la narración de la que somos testigos se vuelve algo más grande. Catársis.

Over The Garden Wall (Más Allá Del Jardín) fue una de las grandes sorpresas que nos ha legado la cadena Cartoon Network. Fue la primer mini serie animada ordenada por el canal y fue transmitida a lo largo de cinco noches del 3 al 7 de noviembre de 2014 en Estados Unidos.

Durante 10 capítulos su creador, Patrick McHale –quien ha trabajado en Las Maravillosas Desventuras de Flap Jack y Hora De Aventura– desarrolla una historia que pareciera simple, pero cuyo contexto subyacente resulta en momentos inquietante y hermoso a la vez –conceptos peculiares para describir una caricatura.-

Hermoso e inquietante.

“En un lugar perdido en los anales de la historia, hay un sitio que pocos han visto. Un lugar misterioso. Lo Desconocido, donde viejas historias han sido reveladas a aquellos que andan por el bosque.”

Wirt y Greg –doblados por Elijah Wood y Collin Dean respectivamente en su idioma original- son dos medios hermanos que buscan el camino de regreso a casa fuera de estas místicas tierras de Lo Desconocido. Durante su travesía coinciden con una serie de llamativos seres que intentan mantenerlos atrapados o ayudarles a encontrar la forma de volver a su hogar.

Greg, Wirt y un sapo que cambia de nombre en cada episodio.

La aparente sencillez de su primicia se ve superada no sólo por el hermoso arte de la caricatura, de pinta artesanal, rústica y sombría, muy inspirado en la apariencia y el folclor cuentos clásicos estadounidenses de finales del siglo XIX y principios del XX, -y en ocasiones por las primeras tiras animadas en la historia-, sino también por las temáticas de las cuáles hace lujo para su narrativa. Cuando vemos Over The Garden Wall bajo una lupa más analítica, no es difícil encontrar porque ha sido un hit entre el público adulto así como entre el público infantil. Wirt es un adolescente inseguro, necio y apático en ocasiones, mientras que su medio hermano, el pequeño Greg posee el don de encontrar lo maravilloso hasta en la situación más aterradora. Donde Wirt ve a una criatura espeluznante capaz de terminar con sus vidas, Greg ve una situación a superar y de la cuál aprender, aún sin medir el peligro en el que se encuentran. Dos puntos de vista sobre un mismo problema, y en ocasiones uno salva el pellejo del otro, o viceversa

Pero lo cautivante de Over The Garden Wall está también presente en el pintoresco abanico de personajes que habitan Lo Desconocido, cada uno con una interesante historia detrás de su fachada, sorprendentemente bien desarrollada si consideramos que todo ocurre en tan sólo 10 capítulos de 12 minutos de duración. Una bruja devora humanos vivos, un leñador condenado a cargar una lámpara por el resto de su vida, un millonario enamorado de un fantasma que habita en su mansión, una escuela que educa a animales músicos y un pueblo lleno de personas disfrazadas de calabazas son sólo algunas de las maravillas fantásticas que se pueden encontrar al extraviarse en el misterioso bosque.

¡Es la Gran Calabaza, Charlie Brown!

Aunadas al buen desarrollo de los personajes se encuentran las talentosas voces de actores de la talla de Cristopher Lloyd -¡Dooooooc!- como el Leñador; Tim Curry -Aquí abajo todos flotan- como la Tía Susurros; y John Cleese -del Ministerio de Caminados Tontos- como Adelaide de la Pastura y Quincy Endicott.

Over The Garden Wall es una serie obligada a todo fanático del Halloween. No se puede recalcar lo suficiente lo bella que es su animación, sus escenarios y fondos –diseñados por el ilustrador mexicano Germán Orozco-, lo brillante que es el balance entre su ambiente de cuento de hadas y su aires de fábula oscura, porque dentro de todo su número animado encuentra momentos para ser sepulcral e incomodar al espectador.

La Bestia es un ser que tras las sombras persigue a los dos medios hermanos.

La historia que cuenta es sincera y no por eso menos fantástica. Su formato es original, poco antes visto en el medio televisivo. El universo que construye resulta cautivante y puede que si Over The Garden Wall peque de algo es de dejar a quien lo ve con ganas de más. Una verdadera joya de la animación contemporánea que seguro dará qué pensar a quien se detenga a mirarla con atención.

La miniserie puede resultar un a experiencia divertida, espeluznante, bella, angustiosa y brillante, pero sobre todo, en el caso de quien les escribe, Over The Garden Wall resulta catártica.

Final 5ta Temporada de Game Of Thrones – ¿Por qué? ¡¿Por qué?!

La quinta temporada de Game Of Thrones ha llegado a su conclusión, y no exagero al decir que las siguientes palabras, que escribo con sudor frío en mis temblorosos dedos, son el resultado de un shock que sólo La Boda Roja podría igualar.

Algo tenía que salir mal. Estamos acostumbrados a que las cosas en Game Of Thrones salgan mal, pero ¡carambas! ¿Por qué Benioff y Weiss tienen que estrujarnos el corazón de esa manera?

Así con mis esperanzas para los personajes de la serie.

Spoilers ¡Spoilers!

El Dios de la Muerte tuvo su hora de recreo durante este final de temporada, y ha cobrado otra gran víctima. Seguro, muertes impactantes han ocurrido desde aquella fatídica velada en el castillo de Walder Frey; Oberyn Martell a manos de la Montaña -literal-, el Perro por la espada de Brienne, Ygritte por la flecha de Olly -maldito seas, Olly. Qué bueno que los thenitas se comieron a tu familia-, incluso la satisfactoria -y añorada- muerte de Joffrey Baratheon que podría entrar como un momento que cambio el rumbo de la historia en Westeros, se ven eclipsadas por : ¡la! gran muerte de este capítulo.

Es el balde de agua fría que nos recuerda que hombres tan honorables como los Stark están condenados en una tierra llena de ambición, celos, venganza y traición como lo es el mundo de George R. R. Martin.

Allá en el norte.

Pero vayamos por partes. Stannis planea asediar Winterfell cuando se entera que a poco más de la mitad de sus hombres no les pareció cool que su hija fuera quemada viva como sacrificio para que el Señor de la Luz les concediera la victoria y han decidido romper filas, llevando consigo todos los caballos del ejército del último Baratheon.

Justo cuando Stannis piensa que esa mañana no podría ser peor, el cadáver de sus esposa amanece colgado de un árbol, porque aparentemente permitir el sacrificio de su hija es algo difícil con lo que vivir. La dama roja, Melissandre toma su caballo y huye del campamento. Stannis, muy probablemente al borde de un colapso nervioso, decide que es buena idea continuar con su plan y al estar a escasos kilómetros del castillo ocupado por los Bolton vemos a ojo de águila como su diminuto batallón se ve devorado por la caballeriza de Ramsay, la cuál, en menos de tres escenas destroza al ejército del “legítimo rey de Westeros”.

Brienne de Tarth es notificada por Pod que Stannis atacará al castillo, y ella, ni tarda ni perezosa, coge su fiel compañera Oathkeeper y emprende camino a la batalla. Segundos después, Sansa enciende la vela en la torre más alta. Ay Brienne ¿pa’qué te ibas tan rápido?

Derrotado, pero aún aguerrido,  mata a un par de soldados Bolton, sólo para encontrar que Brienne, Guardia Real de Renly Baratheon, tiene la firme intención de hacer justicia a su rey asesinado. Con un golpe de su espada la escena brinca de nuevo a Sansa, quien tiene un desagradable encuentro con Theon –A.K.A Reek- y Myranda. La serie nos da un respiro cuando Theon vuelve en sí, para lanzar a Myranda a una muerte llena de satisfacción para los fans. Sansa y Theon deciden tomarse de las manos y saltar del muro más alto de Winterfell a un blanco absoluto.

¿Confías en mí?

Mientras tanto, en las Ciudades Libres

Del otro lado del Mar Angosto, en Mereen, Ser Jorah y Daario emprenden camino al norte, en busca de la reina perdida, mientras Tyrion, Grey Worm y Missandei quedan encomendados a mantener el orden y gobernar en nombre de Daenerys. Varys hace un grato retorno mientras Tyrion observa a los dos guerreros partir. Un enano de Westeros, un Inmaculado y una poliglota gobernando Mereen ¿qué puede malir sal?

En Braavos, Meryn Trant sufre un destino más que merecido por el metal de Arya, que dicho sea de paso, wow… estábamos acostumbrados a ver a Arya repartir espadazos, pero… ¡daaaaaamn!, con que crueldad y rencor da lenta muerte al comandante de la Guardia Real. Con una daga perfora ambos globos oculares del pervertido y tras múltiples apuñaladas en todo el cuerpo, revela su identidad y le atraviesa la garganta con el acero. Al fin, un nombre más tachado de su lista.

En la parte más extraña del capítulo, Arya regresa a la Casa de Blanco y Negro, donde enfrenta un destino incierto, pues Jaqen H’ghar cobra una vida por la muerte que la niña Stark le robó al Dios De Muchos Rostros, la de él mismo, excepto que no era él mismo, sino nadie. -¿Jaqen es nadie? ¿O nadie es Jaqen?- Arya comienza a quitar rostro tras rostro del cuerpo sin vida hasta encontrarse con el suyo. Jaqen reclama a Arya por haber jugado el juego de los rostros siendo aún alguien “Y para alguien, los rostros son tan buenos como el veneno” ¡PUM! Arya, en medio de sus propios gritos, queda ciega.

Nunca beban Panalito

Daenerys por su parte, intenta convencer a un necio Drogon de que la lleve de regreso a su hogar, a Mereen, no con mucho éxito. Al explorar la desconocida llanura en la que Drogon creyó conveniente aterrizar, millares de jinetes dothraki rodean a la Rompedora de Cadenas en una espiral masiva. Un cliffhanger más para esta temporada

En Dorne la vida es más sabrosa… Not!.

Tras acordar términos de paz entre la Casa Lannister y la Casa Martell y dejar las rencillas atrás, Jaime, la princesa Myrcella y el príncipe Doran se embarcan camino a King’s Landing. Jaime revela el secreto no tan secreto a Myrcella, su sobrina/hija sobre la relación que él tiene con la madre de ella y tras un breve momento de cálida conexión paternal –al fin, un momento lindo en medio de tanta masacre…-, Myrcella cae víctima del veneno que Ellaria le administró en su beso de despedida – LOL, nope-. En el muelle, Ellaria bebe el antídoto del veneno al lado de las demás Serpientes de Arena, quienes ven el barco alejarse de su tierra, Dorne.

Myrcela se entera que Jaime además de ser su tío, es su padre.

Walk Of Shame.

En un acto desesperado por recobrar su libertad, Cersei confiesa al Gorrión Supremo haber mantenido relaciones extramaritales con su primo Lancel y como penitencia, Cersei deberá caminar desnuda hasta la Fortaleza Roja. Cersei es violentada por los habitantes de King’s Landing y vemos como una mujer de alto orgullo cae envuelta en lágrimas de su pedestal, derribada por todos aquellos a los que una vez dejó hambrientos, desamparados y a merced de su propia pobreza.

Cersei pasó la noche con Barney Stinson, y a la mañana siguiente…

Al llegar a la Fortaleza Roja, es recibida por el fiel Qyburn, quien la recibe con la sorpresa de que La Montaña vive, por así decirlo, y ha hecho juramento de silencio hasta acabar con los enemigos de la reina madre.

Un ladrillo menos en el Muro.

Bueno, dos, si contamos a Samwell, quien pidió la bendición de Jon Snow para partir a Antigua con Gilly y mini Sam para emprender el camino del Gran Maestre y servir con sus conocimientos a los hermanos juramentados de la Guardia de la Noche. Un lindo final de temporada en aquella área del mapa, ¡Si tan sólo los demás miembros de la Guardia no fueran un grupo de traidores asesinos y conspiradores!

Tras años de forjarse un nombre y una posición de vital importancia, de salvar a miles de personas y proteger el Castillo Negro de un ataque de los Pueblos Libres, tras bosquejar una ingeniosa estrategia de batalla contra el ejército de los White Walkers, el bastardo de Invernalia es asesinado por las dagas de sus propios hombres.

En una secuencia que hiela la sangre, Olly manda llamar al Lord Comandante Nieve para informarle que uno de los salvajes conoce el paradero de Benjen Stark. Jon se acerca a una pequeña multitud de soldados que rodea al informante, sólo para descubrir un terrible presagio en forma de letrero que lee “Traidor”.

Ser Alliser es el primero de media docena en clavar su acero en las entrañas de Jon Snow. Moribundo y de rodillas, Snow recibe la última puñalada de Olly –Estábamos mejor con Joffrey-, y cae derrotado en la blanca nieve, que se tiñe de rojo en un lago de sangre. Créditos.

¡¿Qué?! Pero… pero… ¡Jon Snow es La Canción de Hielo y Fuego! O eso nos han hecho creer las teorías de los fans. ¿Cómo continuará el resto del show sin un guerrero capaz de prevenir que los White Walkers conquisten Westeros?

A menos que… Pues la Dama Roja regresó al Castillo Negro poco antes de la tragedia: ¿Será que hará gala de los poderes que el dios Rojo le ha otorgado? ¿Recobrará la vista Arya Stark? ¿Sobrevivirán Theon y Sansa a la caída? ¿Habrá aprendido la lección Cersei y será mejor persona? ¿Qué pasará con Daenerys y los dothraki? ¿Acaso la rueda se rompió por sí sola? ¿Regresará Bran Stark aún más melenudo?

¿Cómo resolverán la historia los showrunners Benioff y Weiss sin la asesoría del material de R. R. Martin? ¿Seguirán jugando con nuestros sentimientos? ¿Acaso la rueda se rompió por sí sola? Las respuestas a estas y muchas más preguntas en el próximo capítulo del Game Of Thrones… el año que entra.

The Dark Tower de Stephen King Ya Tiene Director.

Tras pasar años en el limbo de las producciones cinematográficas, parece que la adaptación de The Dark Tower, saga mágica/épica/western de Stephen King, vuelve a agarrar nuevos aires. Después de que Universal y Warner Bros e incluso de que HBO la contemplara para una serie televisiva –¡Por la Tortuga! Eso hubiera estado bueno.

Deadline reportó que el proyecto adquirido por Sony y MRC a principios de este año ya cuenta con un director, el danés Nickolaj Arcel, mejor conocido por haber adaptado y dirigido la primer entrega de la Trilogía Millenium Los Hombres Que No Amaban A La Mujeres – que no se debe confundir con La Chica del Dragón Tatuado de David Fincher– y la multipremiada y nominada al óscar A Royal Affair.

Arcel declaró haber aprendido inglés para entender a King en su idioma original. El muy fanboy.

Ultra fan declarado de la saga, Arcel, en compañía de los productores Ron Howard y Brian Gazer, mantienen los planes de convertir el material fuente en una serie de películas acompañadas de un show televisivo. Queda aún pendiente quien dará rostro a Ronald Deschain, protagonista de The Dark Tower, quien en el pasado pudo haber sido interpretado por Javier Bardem o Russel Crowe.

Asumiendo que no haya más trabas y cambios de estudios sobre esa producción ¿A quién ansiamos ver en el papel del pistolero errante?

Corona Capital 15 ¡Día de Line-Up!

Corona Capital se acerca a su sexta edición  con un cambio de fecha de octubre a los días 21 y 22 de noviembre gracias al regreso de la Formula 1 a nuestro país, y hoy, con una estrategia más novedosa que el año anterior, se revelan poco a poco las bandas que abarrotaran los escenarios en esta ocasión –porque dar el cartel completo a la primera es demasiado mainstream.

Estos son los actos confirmados para el Corona Capital 15.

George Ezra

Run The Jewels

Death From Above 1979

RAC

Father John Misty

Tokimonsta

Spoon

The Psychedelic Furs

Title Fight

Pixies

Circa Waves

Brodinski

Moon Duo

Kiesza

Kölsch

Ratatat

Shamir

Alvvays

Benjamin Booker

DIIV

Primal Scream

Skylar Spence

Miami Horror

Mothxr

Robin Schulz

Cromeo

twenty one pilots

Sleater Kinney

Halsey

SBCR DJ Set

Poppy

? (Invitado misterioso, ujuju)

Ryan Adams

The Charlatans UK

Mew

Porter Robinson (Live)

Angus and Julia Stone

Bronze Whale

The Griswolds

Fatboy Slim

Sohn

Tchami

The Libertines

Tourist

Calvin Harris

Y así pues es como queda la alineación para este Corona Capital. 

Pues…

Parece ser que en esta edición, a pesar de contar con buenas bandas, los organizadores dejaron caer la pelota. ¿Qué decir? CC tuvo una buena racha. Esperamos que ese invitado sorpresa realmente valga la pena porque si algo le hacen falta a este cartel son headliners. ¿No creen? ¿A quiénes esperaban encontrarse?

Entonces ¿vas a ir al Corona este año?