Mi novia Rinko Kikuchi protagoniza esta película que abrió el festival de cine Sundance, donde las mejores películas hipsters se reúnen para deleitar a una audiencia hipster de todo el mundo.
Una película que según su par de trailers que a continuación les presentaré, promete ser una película sumamente original e introspectiva, donde las imágenes parecen danzar como peces en el agua. Vean los videos, si la película resulta tan buena como están hechos estos trailers entonces valdrá mucho la pena.
Trailer 1
Trailer 2
Me ha gustado mucho la estética de la película, las imágenes se ven muy bien y las tomas –o lo poco que se ve de ellas– son hermosas, solo falta ver como se desenvuelve la historia que es lo único que necesita para ser una película que satisface todas las emociones. Porque de Terrence Malick hemos aprendido que no importa si tu película se ve muy bien, si tu historia no tiene sentido, de nada sirve.
Ahí les va la sinopsis muchachos:
Una mujer japonesa (Kumiko), agotada de su vida, se encuentra con una copia escondida de Fargo (1996), y cree que es un mapa del tesoro indicando la localización de un gran maletín lleno de dinero.
Pues Lol, pero eso es lo que lo hace aun más interesante. Además Rinko Kikuchi es encantadora persé, y la amo demasiado.
En estos últimos días se han revelado más detalles sobre SAVED./Be Mine!, el próximo sencillo de Maaya Sakamoto que será lanzado el 5 de febrero del siguiente año. SAVED./Be Mine! es un sencillo compuesto por 3 temas, destacando SAVED., el tema de salida del anime Inari, Konkon, Koi Iroha y Be Mine!, tema de entrada del anime Sekai Seifuku: Bouryaku no Zvezda.
Yo inicialmente pensaba que éste sería un lanzamiento doble (como en el caso de Buddy y Okaerinasai que fueron lanzados el mísmo día en 2011), y es que el lanzamiento de Saved/Be Mine! ha resultado algo confuso. Se lanzarán dos versiones del sencillo, una titulada 「SAVED./Be Mine!」 y la otra 「Be Mine!/SAVED.」.
Las dos versiones de SAVED./Be Mine! son escencialmente el mismo sencillo, con una ligera variación en el orden de las canciones y una portada diferente para cada edición. La edición limitada de ambas versiones viene acompañada del mini album “ROOTS OF SSW” que contiene canciones grabadas durante el concierto de Maaya Sakamoto en Shibuya Bunkamura como parte de su gira promocional del álbum Singer Song Writer.
Aquí la lista de canciones y las portadas de cada versión.
「SAVED. / Be mine!」
「Be mine! / SAVED.」
ROOTS OF SSW
1. SAVED.
2. Be mine!
3. 声(Koe)
4. SAVED. -Instrumental-
5. Be mine! -Instrumental-
6. 声(Koe) -Instrumental-
1. Be mine!
2. SAVED.
3. 声(Koe)
4. Be mine! -Instrumental-
5. SAVED. -Instrumental-
6. 声(Koe) -Instrumental-
1. 遠く(Tooku)
2. グレープフルーツ
(Grapefruit)
3. cloud9
4. park amsterdam(the whole story)
5. スクラップ～別れの詩
(Scrap-wakare no uta)
6. シンガーソングライター
(Singer Song Writer)
En lo que se refiere a los anuncios más recientes, la disquera de Maaya Sakamoto finalmente reveló las portadas de las diferentes versiones del sencillo en su sitio oficial y subió al canal de YouTube de la cantante parte del vídeo musical de Be Mine! junto con un comercial para el sencillo en el que podemos escuchar parte de SAVED. Todavía no llega a Internet la versión completa de ninguno de los dos vídeos pero por lo pronto me ha gustado el fragmento de Be Mine! disponible en YouTube, un vídeo dinámico y divertido que acompaña muy bien a esta canción.
(Nota adicional: Creo que Maaya Sakamoto jamás había tenido el pelo tan largo ¿Será esto a causa de su participación en Daddy Long Legs?)
Aunque falta un par de meses para el lanzamiento del sencillo, tanto SAVED. como Be Mine! han estado sonando ya por un tiempo en Vitamin M, programa de radio conducido por la misma Maaya Sakamoto. Be Mine! es un gran tema con un estilo alegre que recurda a otras canciones de la cantante como Get No Satisfaction! o Private Sky, mientras que SAVED. es una balada mucho más tranquila, de esas a las que Maaya Sakamoto nos tiene acostumbrados.
SAVED. / Be Mine pinta para ser un sencillo muy recomendable, en especial para los que siguen de cerca a Maaya Sakamoto, quienes ´todavía tendrán que esperar poco más de un mes para tener el sencillo en sus manos. ROOTS OF SSW por su parte es una muy buena adición a las ediciones limitadas de este sencillo por el tracklist de canciones en vivo que contiene, pero esperemos que el lanzamiento de este mini álbum no reemplaze el lanzamiento de un DVD de la gira de 2013.
Era costumbre de canales de paga como Cinemax, HBO y demás transmitir esta película en estas fechas. No sé si lo siga siendo, pero es una buena razón para recomendarles una película diferente y acorde a estas fechas.
Tokyo Godfathers, que extrañamente Netflix tradujo como Héroes al rescate, es obra del desaparecido Satoshi Kon, responsable de grandes obras como Perfect Blue y Paprika. Aunque esta historia es algo diferente a las mencionadas anteriormente, no evita que sea una buena historia.
Es víspera de Navidad en Tokio, y tenemos a 3 indigentes, cada uno con un pasado distinto y que los persigue: Gin, un alcohólico que perdió a su familia; Hana, un trasvesti que perdió su hogar, y Miyuki, una chica de apenas 15 años que escapó de casa. Los tres viven juntos en una especie de familia que no todos parecen aceptar. Es entre la basura que estos 3 personajes encuentran a una bebé abandonada, junto con una maleta y una nota donde se pide a quien la encuentre que cuide a la niña.
Aunque Miyuki y Gin desean llevarla a la estación de policía para reportarla como extraviada, Hana insiste en conservarla, ya que asegura es un milagro de Dios y una forma de volverse la madre que desea ser y no podrá. Al final, los tres acuerdan en encontrar a la familia de la niña, que bautizan como Kiyoko, y es entonces cuando comienza su travesía por toda la ciudad.
Tokyo Godfathers no es como Perfect Blue y Paprika en muchos aspectos. No hay una fusión entre la realidad y una ilusión, que si no estás del todo atento puedes confundirte; no lo es, pero -y esto es algo que muchos concuerdan- nos muestra una comparación entre la realidad de la que tratan de huir cada uno de los 3 protagonistas, y la idea de formar una familia lo más normal posible, donde haya amor, con los 3 unidos por la bebé. Nos muestra los conflictos de cada uno, como el de Miyuki que abandonó a su familia, y aunque asegura que no los necesita para vivir, en algún momento observa la ilusión de una nueva familia con Gin, Hana y Kiyoko.
Kiyoko -que significa niña pura-, resulta ser realmente un milagro, no de la forma sobrenatural, pero logra hacer que los protagonistas se enfrenten a su pasado y descubran lo que realmente necesitan.
En cuanto a la animación, Satoshi Kon se ha vuelto de mis favoritos, ya que además de la sencillez que daba a sus personajes -y en esta película los llena de diferentes expresiones, la mayoría muy divertidas-, también se luce en las escenas de Tokio nevado y cubierto de luces navideñas.
En resumen, Tokyo Godfathers es una película muy conmovedora, con personajes diferentes a los acostumbrados pero fácilmente identificables. Es algo diferente a las películas navideñas que estamos acostumbradas, y estoy segura no se arrepentirán de verla.
Algunos dirán “ay, esos chinos/japoneses hacen puras cosas de terror“. Ésto no siempre es cierto, pero en este caso, los japoneses atacan con un comercial en particular.
Autoway, una compañía japonesa de llantas ha lanzado un comercial para promocionar sus productos en el que no aparecen autos último modelo, tampoco paisajes, ni siquiera una botarguita bailando. No, esta compañía quiso causar un mayor impacto haciendo un comercial de terror.
Al principio del comercial aparecen unas cuantas advertencias:
No apto para débiles cardiacos. Absténgase de verlo si tiene problemas físicos o mentales y necesite ver un médico regularmente. No nos hacemos responsables por los daños causados.
Hace 6 meses que se estrenó Attack on Titan, y también no hace mucho nuestro colaborador Nogard nos presentó su app en android para poder seguir la serie online, ya que cada sábado se estrenaba un episodio nuevo. Este sábado se transmitió el último capítulo de la primera temporada.
Attack on Titan -o Shingeki no Kyojin en japonés (進撃の巨人)-, aunque ya tenía seguidores debido al manga, comenzó a llamar la atención fuera de este círculo por -lo que al menos creo yo- 3 cosas: una trama original, una animación bastante buena que incluía escenas en un sutil 3D, y un opening bastante badass:
Situado en una época similar a la edad media, en un escenario un poco a lo steampunk, Attack on Titan nos relata de cómo la humanidad ha estado al borde de la extinción debido a la aparición de criaturas enormes con forma humana: los Titanes. Su altura va de los 3 a 15 metros, y se consideran de poca inteligencia, sin embargo son un peligro debido a su afición a devorar humanos, seguido de una increíble resistencia en su cuerpo. Con todo esto, la humanidad se ha resguardado en murallas de 50 metros de altura para poder sobrevivir.
Han pasado 100 años desde la construcción de las murallas, y entonces aparece un titán cuya altura es igual a la de las murallas, logra abrir la muralla externa y permite el paso de los titanes a la ciudad, siendo devorados en la invasión muchas personas, incluida la madre del protagonista, Eren Jaeger, quien, como venganza, jura unirse a las tropas para poder combatir y exterminar a los titanes.
Así comenzó esta serie cuyo manga aún está en publicación y del que ya se confirmó una segunda temporada en el anime. Desde el primer capítulo te atrapa gracias a la habilidad de dejar cada capítulo en un bien logrado cliffhanger, y desarrolla muy bien a sus personajes, al menos a los principales, sin ser tedioso -como otras series cuyos capítulos ya van más de 100-, además de que la trama tiene giros que si bien son inesperados no dejan de ser coherentes. Todo esto le ha valido varios premios y ser reconocido como uno de los animes de la temporada, pero también considerado uno de los más sobrevalorados hasta la fecha.
Personajes emocionalmente inestables y enormes monstruos come hombres en un escenario desesperanzador, fue lo que Attack on Titan nos trajo en 25 capítulos, volviéndolo un fenómeno en redes sociales, y un objetivo principal de fanarts, fanfics y parodias en muchos rincones del internet. Ahora falta esperar por la segunda temporada, ¿Será capaz de superarla?
Fue para muchos una sorpresa penosa, el anuncio sobre el retiro de Hayao Miyazaki, que él mismo dio a conocer en el Festival Internacional de Cine de Venecia, al tiempo que presentaba la que será la última obra de su autoría, Kaze Tachinu o por su título en español El viento se alza. Esta noche, Hayao Miyazaki ha dado la última conferencia de prensa de su carrera, la cual fue transmitida en vivo, desde Japón, a través del portal japonés Niconico y traducida al español en tiempo real por Itzel, la editora de la sección de anime de Plusbits. Acompañado por el presidente de Studio Ghibli, la prensa comienza la serie de preguntas y respuestas, tratando de saber algo en concreto “¿Por qué?”
Periodistas de todo el mundo se han congregado en Tokio para esta despedida, la cual, según comentó Miyazaki, no estaba planeada. Debió ser necesaria, y tal vez de cierta manera sintió que se las debía, pues después de cautivarlos con las bellas escenas de El viento se alza en una sala de cine en Venecia, estrujo sus ánimos con semejante noticia. Hace ya 28 años de la fundación de Studio Ghibli, un proyecto que fundó junto con su colega y amigo Isao Takahata, “Yo mismo podría ser exhibido en el museo de Studio Ghibli”, bromea el cineasta.
Grandes cintas fueron producidas bajo el velo de este estudio tan emblemático para los admiradores tanto del animé, como del cine en animación. Y es que las películas de Miyazaki, si bien eran contadas con dibujos, hablaban de temas tan complicados como la vida misma: la relación de la humanidad con la naturaleza, en La Princesa Mononoke; el comienzo de ese proceso de volverte un adulto y madurar en Kiki: Entregas a domicilio; las dualidades de una criatura que nunca deja de ser humano en Porco Rosso y la construcción de una identidad en El Viaje de Chihiro. “¿Cuál es la película favorita de Hayao Miyazaki?”, pregunta alguien de la prensa, “Howl’s Moving Castle, me dejó una gran impresión”. A lo largo de su trayectoria, escribió, dirigió y produjo más de 24 películas animadas.
En esta conferencia, comentó un poco sobre el proceso creativo y de filmación de sus producciones, y revela que siempre comenzaba sin saber cómo terminaría el proyecto en cuestión. Jamás tuvo la intención de convertirse en director, pues lo que a él le sentaba mejor era ser animador. Vienen las dudas sobre su nueva y última película, a lo que Miyazaki responde de forma amable, pero dejando entrever su tedio y cansancio. El viento se alza ha causado una gran polémica en su país, pues la trama gira en torno al hombre que diseñó los aviones que utilizaron las fuerzas armadas japonesas en la Segunda Guerra Mundial.
Las jornadas de trabajo eran de aproximadamente 14 horas y armar una escena tomaba meses, pero según sus palabras, lo más complicado de hacer una película, eran los horarios. Desde la multitud lanzan otra pregunta “¿Se arrepiente de algo en la creación de sus películas?”, a lo que Miyzaki responde: “No he llegado a una conclusión sobre eso”. Surge la cuestión sobre sus planes ahora que se ha retirado del cine, y afirma que seguirá haciendo películas si así lo desea, y dando una esperanza de un posible regreso, responde que le gustaría hacer algo más, pero que no sería animación. Después de una última pregunta, Hayao Miyazaki da por terminada la rueda de prensa, no sin antes haber dejado claro que “A esta edad, hay momentos en que no se puede más y hay que ir a casa”.
Hayao Miyazaki abandona la sala, con aplausos de fondo.
Hoy, durante el 70º Festival Internacional de Cine de Venecia, el ya conocido y respetado cineasta Hayao Miyazaki anuncia su retiro como director.
Después de que su película Kaze Tachinu o El viento se alza-que pronto reseñaremos- se estrenara en el festival como una de las nominadas al León de Oro, Miyazaki en una conferencia de prensa anuncia que no volverá a dirigir otra película, conmocionando no sólo a los fans, si no a cualquiera familiarizado con su trabajo.
A sus 72 años, Hayao Miyazaki ha sido una figura máxima en cuanto a cine y animación japonesa, reconocido y venerado no sólo en su país. Desde 1985, a mando del Studio Ghibli -aunque su carrera comenzó mucho antes- ha hecho obras comparables a las producciones de Disney, incluso llegando a superarlas. Combinando diferentes temas, principalmente la cuestión ecológica y el efecto de la guerra, Miyazaki nos ha dejado obras como La Princesa Mononoke, El Castillo Vagabundo, Mi Vecino Totoro, Nausicaä en el Valle del Viento, y la que le valió el Oscar a mejor película, El Viaje de Chihiro, por decir algunas.
Este maestro se retira y deja una gran huella en la historia de la animación y el cine, dentro y fuera de Japón.
Después de Batman Beyond: Return of the Joker, Batman Gotham Knight, es la segunda película animada de este superhéroe, que ha sido clasificada PG-13, algo que en el mundo de los cómics y la animación sigue sorprendiendo a muchos.
Esta serie de cortometrajes, donde Bruce Wayne/Batman, es el protagonista, abordan al personaje desde diferentes perspectivas.
Son seis las historias que forman parte de esta antología, las cuales no tomaron su trama de alguno de los cómics que anteriormente ha publicado DC, por lo que se puede decir, que aunque sí están basadas en las tramas principales del personaje y los cómics, son reinterpretaciones de dichas historias, lo que las convierte en algo original.
La animación y dirección, fue realizada por artistas japoneses, como Yasuhiro Aoki, quien tuvo a su cargo el segmento titulado “In Darkness Dwells” y trabajó en la animación de Neon Genesis Evangelion, así como Shoujirou Nishimi, director del primer cortometraje de esta producción “Have I Got a Story for You”, y quien colaboró en el departamento de animación de Akira y Tekkonkinkreet, y participó también Yuichiro Hayashi, colaborador en el departamento de animación y diseño de Halo Legends.
Al ser una producción norteamericana, el doblaje fue realizado en inglés, pero no por eso es menos disfrutable.
Por acá pueden ver Batman Gotham Knight completa en Youtube:
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Es una tarde como cualquiera en una estación cualquiera del tren en Japón. Los chicos regresan a casa después de un día de clases, los demás regresan del trabajo. De pronto, 50 chicas se toman de la mano, se acercan a la orilla del andén, y se lanzan a las vías. El tren pasa, y la estación de tren se cubre de sangre y demás restos humanos.
Así es como comienza una oleada de suicidios, llevados principalmente a cabo por jóvenes. Pronto surgen también las palabras “Club del Suicidio” y un extraño sitio web. ¿Es un culto, una moda o una crisis? La policía está confundida mientras trata de descubrir qué hay detrás de todo esto.
Siendo honesta, me había tardado mucho en ver esta película, he de admitir que le huí por un buen tiempo porque no soy muy fan del gore, aunque después de ver unas cuantas cosas, me animé. En Suicide Club -o Suicide Circle– no hay sólo gore porque sí, hay más cosas. Hay muerte, hay sangre, hay miedo, desesperación, hay incluso sonrisas, todo esto acompañado por música de un idol group de chicas.
Es una película bastante complicada conforme va avanzando, no sabes el porqué, y debes estar atento a cada cosa, pues es una pista. Lo que comienza como algo de terror o un thriller policiaco termina siendo algo confuso, tal vez hasta reflexivo para algunos. Suicide Club es de esas películas que te tiene pensando, incluso después de terminarla. Después de Suicide Club, es un deber seguir con la filmografía de Sion Sono, su creador.
A forma de mockumentary, Noroi the Curse nos muestra la última investigación de Masafumi Kobayashi, un periodista dedicado a los sucesos paranormales alrededor de Japón.
Este último trabajo comenzó con la entrevista a una mujer y su hija, que aseguran se oyen ruidos extraños en la casa siguiente donde sólo viven una mujer y un niño que apenas si salen de la casa, además comienza a recolectar sucesos extraños que aunque en su momento fueron aislados comienzan a formar algo más perturbador.
El mockumentary o falso documental, es bien conocido en el género de terror y ejemplos tenemos varios: The Blair Witch Project, REC, Paranormal Activity… la lista es grande. Hasta este punto Noroi no tiene nada fuera de lo común, simplemente es otro ejemplo, pero comienza a tener lo suyo conforme avanza.
Es una historia bastante compleja, aún así tiene sus porqués bien aclarados, tiene sus momentos de terror bien ubicados y no son necesarios muchos efectos especiales para esto, eso sí es algo larga, con casi 2 horas de duración, aunque no es pesada ni aburrida.
Debo decir que después de esta película me alejaré un poco de cosas como palomas. Realmente tiene la atmósfera de documental y sus escenas de terror están bastante bien -el final me perturbó poquito-. Una película recomendable para quienes buscan algo bueno de terror.
