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Perdida (Gone Girl) | Reseña.

David Fincher regresa en este 2014 con su más reciente producción: Perdida, o Gone Girl por su título original en inglés, una película basada en el libro homónimo escrito por Gillian Flynn, quien además también escribió el guión para esta impactante cinta.

Soy lo que se le podría llamar Fan From Hell de David Fincher, mi director favorito, por esa forma tan interesante de contar historias a través del lente, lleno de misterios e incógnitas que te mantienen al filo del asiento preguntándote repetidas veces ¿Que sigue? Perdida no es la excepción.

gone-girl-perdida-Ben-Affleck — Ben Affleck como Nick Dunne

Ben Affleck protagoniza esta cinta en la que caracteriza a Nick Dunne, un guapo bonachón que un día al volver a su casa se da cuenta de que su esposa Amy (Rosamund Pike) no está. Solo hay una mesa de centro destrozada y ningún rastro de ella. ¿Qué le sucedió? Las investigaciones comienzan y todo parece apuntar a que Nick lo hizo.

Así da comienzo una vertiginosa y entretenida historia de misterio, cosa muy parecida a lo que había visto en Zodiac, pero con un ritmo más llevadero, ya que los flashbacks de la historia amorosa de Nick y Amy agregan dinamismo entre las escenas.

Un punto que cabe destacar es el score que nos acompaña durante toda la cinta, compuesto por Trent Reznor el vocalista de Nine Inch Nails, quien repite con Fincher después de La red Social y la Chica del Dragon Tatuado y a demostrado el gran talento que tiene y la increíble mancuerna que crean las imágenes y la música. Una poderosa herramienta narrativa que se explota en cada momento de esta película.

Los giros de tuerca, que son un fuerte de Fincher no se desaparecen de esta cinta, junto con las escenas donde el entorno ayuda a expresar el estado anímico de los personajes, y donde una vez más nos muestran la evolución de las relaciones y el poder que estas tienen al momento de contar la historia.

gone-girl-perdida-rosamund-pike — Rosamund Pike en su papel más impresionante

La actuación de Rosamund Pike es impecable y me dejó sin aliento en diversas ocasiones, de hecho todas las actuaciones son de un gran nivel. Se que muchos dudan de Ben Affleck, pero incluso él demuestra por que es uno de los Actores de Hollywood más taquilleros de su generación. Mencionaré que a mi parecer la inclusión de Emily Ratajkowski fue para mostrar una mujer muy joven y hermosa que además accediera a mostrar sus atributos en pantalla, y así lo hizo, como en el video de Blurred Lines.

Neil Patrick Harris es Legen... wait for it... dary. — Neil Patrick Harris es Legen… wait for it… dary.

Resulta interesante y al mismo tiempo sorprendente ver a Neil Patrick wait for it… Harris en un papel no cómico, como nos tiene acostumbrados. Quisiera hablarles de cada uno de los papeles, pero es simplemente un gran acierto el casting de la película. Tyler Perry es encantador.

Si te gustó La chica del Dragón Tatuado, Seven, The Game, Zodiac, sin duda te gustará Perdida, porque tiene toda la firma de Fincher a lo largo de las 2 horas y media de duración. No es su mejor cinta, pero aún así está tan bien ejecutada que resulta imperdible.

Perdida (Gone Girl) es una película de misterio y suspenso, en la que un hombre que puedes catalogar de idiota, se enfrentará a la presión mediática y de las investigaciones policiacas, mientras intenta descubrir que ocurrió con su esposa.

Totalmente recomendable.

Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda del Santuario [Reseña]

El pasado jueves 25 de septiembre en punto de las 12:30 AM, se dio el estreno de la tan esperada cinta “Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda del Santuario” en las salas de cine a lo largo y ancho del país y aunque muchos pudieron disfrutarla de manera adelantada gracias al internet, varias salas registraron un lleno total de fanáticos dispuestos a revivir las aventuras de Seiya y compañía.

Para esta reseña, dejamos la opinión de 2 de nuestros colaboradores.

Luis Jorge:

La historia se centra en la saga del Santuario y la lucha de los Caballeros de Bronce contra los Caballeros Dorados a través de las doce casas del zodiaco para derrotar al nuevo Patriarca que controla el Santuario y que ha declarado la guerra a la Athena impostora.

Saori Kido es una joven de 15 años y única heredera del empresario japonés Mitsumasa Kido, quien la encontró siendo un bebé en brazos de Aioros el Caballero Dorado de Sagitario mientras se encontraba en una excursión. Un día al encontrarse de camino a su casa y mientras su sirviente Tatsumi comienza a relatarle la historia de Athena y los jóvenes Caballeros que la protegen, es atacada por un enviado del Santuario quien le hace saber que está allí para matarla. Un instante antes de que logr golpearla, es detenido por Seiya de Pegaso y los demás caballeros de bronce.

Una vez que es rescatada, Seiya y los demás le explican que están allí para protegerla a toda costa.

Hasta este punto se ve respetada la trama que se manejaba en la serie clásica y no es hasta las batallas en el Santuario que la historia da un giro radical a como la conocemos.

No nos adentraremos más en la trama por respeto a aquellos lectores que aún no la hayan podido ver.

La cinta tiene puntos a favor y en contra, y en lo personal me quedé con un buen sabor de boca principalmente por el hecho de que se respetaron la mayoría de las voces originales y algunas de las batallas quedaron exactamente igual que en la serie original, así como el nuevo diseño de personajes y armaduras. Podemos ver a unos caballeros más humanos,a una Saori con miedo pero decidida y eso es lo que le da un gran toque a “Leyenda del Santuario”.

El mayor punto en contra sería el final de la cinta que me pareció muy bizarro así como el querer abarcar una saga tan larga en sólo dos horas. Además de que la banda sonora deja mucho que desear si la comparamos con la serie clásica, aunque el ending titulado “Hero” viene a rescatar este punto.

Hubo momentos en la película que quisieron ser graciosos pero cayeron en lo ridículo e innecesario.

Con un revolucionario y totalmente nuevo diseño de personajes y armaduras,dándole un toque más “real” a los personajes en cuanto actitud se refiere, “Leyenda del Santuario” llega a marcar un nuevo episodio dentro de esta emblemática serie para gusto de muchos y disgusto de otros. La recomiendo ampliamente y sin dudarlo la iría a ver nuevamente.

Itzel:

Por otra parte, considero a “La leyenda del Santuario” una película que termina decepcionando a muchos. ¿Por qué? Es natural que los gigantes noventeros del anime pierdan un poco de presencia ante las nuevas series, al menos en Japón, porque aquí en Latinoamérica siempre van a ser queridos. Es por esto que estas series buscan una manera de seguir vivas y en la memoria del público, ya sea por aniversarios de la serie, creador o historias que nunca llegaron a contarse; tenemos a Dragon Ball Z con La Batalla de los Dioses y otra próxima película, Sailor Moon y la nueva Sailor Moon Crystal, y claro, Los Caballeros del Zodiaco con esta película.

Quedaba claro que no iba a ser igual que la serie original, pues en 95 minutos no se iba a contar TODA la historia que se contó en 73 capítulos -o muchos sábados de levantarse temprano- desde el Torneo Galáctico hasta el Santuario o Las 12 Casas. Todos tienen derecho de contar su propia versión de la historia, aunque sea tan mala como Omega. Quitaron a los demás caballeros de bronce -que pues no se extrañaron-, y los caballeros de plata.

El problema, fue que conforme avanzaba la película, ya no era ver aunque sea un poco a Los Caballeros del Zodiaco, era más bien un Final Fantasy con tema “griego”, donde el Santuario de Athena, lejos de ser esa copia al Partenón y templos griegos, parecía más el Asgard visto en las películas de Thor:

Además de armaduras y ataques que parece reciclaron de RPG’s, principalmente Final Fantasy.

En cuanto a los personajes, en algunos sus acciones eran exageradas, y al igual que Jorge, algunos momentos “graciosos” terminaron ser ridículos e innecesarios, como ese número musical de Máscara de Muerte de Cáncer, que ahora es una especie de Jack Sparrow, causando pena en el público veterano y risas en los niños -que probablemente eran sus hijos-, o esa Saori que se la pasó detrás de Seiya la mayor parte del tiempo. Además tomaron ciertas frases de la serie original que se usaban principalmente para promoción, como la famosa ¿Has sentido el poder del cosmos? que terminaron colocando como diálogo en partes no muy acertadas y terminaba siendo algo bastante cursi. Las peleas con los Caballeros Dorados, lo más esperado, resultaron en escenas extremadamente cortas con dos o tres golpes a lo mucho.

En cuanto al doblaje no hay mucho que decir, porque se mantuvo el original en los personajes principales en la mitad de los caballeros dorados.

Hay varias cosas de qué quejarse, y otras de reconocer. Pero queda claro que esta entrega no le hace completamente justicia a la original, eso sí, al salir de la sala surgen esas ganas de ponerse a ver la original para recordar.

Transformers La era de la Extinción | Reseña

La cuarta entrega de los Transformers titulada: La era de la Extinción, tiene poco de haberse estrenado en cine, sin embargo, para cuando leas esto ya debe estar disponible para que la rentes o puedas comprar.

A pesar de que Michael Bay dijo que no dirigiría otra entrega de los robots, parece que el estudio Paramount le llegó al precio para que tomara las riendas de este proyecto, justo después de que se haya dado un respiro de la primera trilogía con la cinta Pain and Gain, en la cual trabajó con Mark Wahlberg, mismo que protagoniza esta nueva entrega.

Seré directo. No me gustó, y no es porque haya asesinado una parte de mi niñez, es porque la película se ve y se siente como lo que es, otra excusa para sacar más dinero aprovechando una franquicia que apela a nuestra nostalgia. La orgía de product placement es tan detestable, que te hace dudar si lo que estás viendo es una película y no un comercial extremadamente largo de casi 3 horas de duración.

Sí, los efectos especiales son impresionantes, no escatimaron en ello, pero aun así siento que los robots se ven menos reales que los que vi en la primera cinta, tal vez no sea así, pero ahora si los contemplé como objetos computarizados, tal vez es porque se me acabó la magia, pero por mi, nunca hubieran rescatado la cabeza de Megatron. Sí, está de regreso.

La película es entretenida y hay demasiada acción, lo malo es cuando es tanto movimiento que no alcanzas a percibir nada.

El guión no es nada nuevo, nuevos personajes principales, pero siguen haciendo bromas que estoy seguro les encantan a los rednecks estadounidenses. Eso tiene sentido cuando dos tercios de la cinta ocurren en Texas antes de que se trasladen a China donde todos los magnates mundiales tienen permiso para llevar a cabo procesos industriales que en Estados Unidos no permiten. Eso y porque así aumentan su audiencia en China, lo que supone un incremento en ganancias considerable.

Algo bueno es que la historia se basa más en los Transformers y la persecución a los que son sometidos después de los hechos de la 3ra cinta, como han llegado al punto en el que Optimus no quiere cooperar, pero al final debe hacerlo porque hay algo mucho más grande detrás de las estrellas que pone a la Tierra y a él mismo y sus amigos robots en problemas. Dejando a nuestros amigos humanos como los ayudantes para que el malvado plan corporativo-gobernamental no se lleve a cabo.

Por este último punto tenía mucho potencial, sin embargo no pude evitar sentir el síndrome de la comida rápida, ese en el que el modelo que se ve en la imagen está suculento, brillante y sabroso, pero cuando lo recibes, la diferencia visual es abismal.

En lo personal, con una vez que vi Transformers La era de la Extinción me bastó, tú que estás leyendo esto dale una oportunidad, puede que mis palabras solo sean las de un hombre resentido con Michael Bay por ayudar a traer de forma escueta las caricaturas de la niñez en forma de explosiones y efectos especiales.

Realidades De Humo | Reseña

Realizar una producción independiente, alejada de los apoyos económicos de las instituciones públicas que rigen el ramo cinematográfico a nivel nacional es un logro enorme por sí mismo, eso sin hablar de la dificultad añadida al producirla en provincia, donde la industria cinematográfica en forma es inexistente como tal. En lo que va del año el público potosino ha tenido la oportunidad de abarrotar la Cineteca Alameda con producciones oriundas del estado en dos ocasiones y ambas con óperas primas.

La primera de ellas con Peyote, del director Omar Flores Sarabia, quien impactó a algunos con su viaje físico y metafórico construido en pantalla y que, cabe mencionar sigue de gira, y fue presentada en Tamazunchale y Rioverde en el marco de la tercera edición de CineMA Festival de Cine México-Alemania.

Posterior al éxito de Peyote, con una primera planta casi llena (cosa que alegra siempre cuando se trata de producciones locales) el Festival Internacional de Cine de San Luis Potosí presentó Realidades de Humo, del director Joaquín Loustaunau, una obra realizada gracias al apoyo de instituciones potosinas y amigos, como el mismo Loustaunau declaró en un video de invitación lanzado días atrás.

Volviendo a las primeras líneas, realizar una obra de esta magnitud bajo las condiciones en las que fue ejecutada es una labor digna de reconocerse, y como tal, la gente aplaudió a Loustaunau y el equipo de gente que plasmó su esfuerzo dentro y fuera de cámara, sin embargo, más de uno salió con la duda. “¿Qué acabo de ver?”.

Esto parcialmente se debió a una mezcla de sonido que dejó algo que desear, aunado a la (ya mejorada pero aún con detalles por trabajar) acústica de la Cineteca Alameda. Yo fui una de esas personas, y a pesar de que llegó el momento de la película me sentí atrapado por lo que alcancé a entender, perdí parte de la atención por una escena con diálogos inaudibles.

Realidades de Humo cuenta la historia de dos amantes, Él y Ella, que tienden a encontrarse en sueños, donde transcurren sus aventuras eróticas de las que ninguno de los dos quiere despertar. No sabemos mucho de ellos. Él es un pintor en apariencia prolífico, Ella una mujer infelizmente casada. Ellos saben tanto de si mismos como nosotros, ni siquiera conocen el nombre del otro, lo cuál no evita que sus encuentros sexuales simulen la pasión de una relación fuera de los sueños.

En un ambiente onírico repleto de conversación íntima, humo de cigarro, y sexo, ambos personajes temen despertar y perderse en la vigilia. La narrativa pinta algo intrincada, como lo mencionó el propio Laustaunau, la historia es un rompecabezas que el espectador debe armar con ciertas libertades ¿Ella lo sueña a él? ¿Él lo sueña a ella? ¿Están de verdad soñando? Los personajes se construyen y destruyen mutuamente en pantalla, se muestran frágiles y vulnerables, no obstante, la química resulta lograda a medias, tal vez culpa de nuevo de los numerosos diálogos casi ausentes ya mencionados, y algunos que parecieran metidos con calzador.

La fotografía de Bernardo González Burgos y Pablo Melgoza resulta bastante refrescante y derrumba a otras producciones del panorama indie cinematográfico mexicano que han sido exhibidas en el espacio de la Cineteca en recientes años. Sin embargo, el uso de la poca profundidad de campo resulta en ocasiones excesivo y redundante.

Realidades de Humo merece un buen ojo, no sólo por ser una obra realizada por entusiastas jóvenes potosinos que sienten vocación para el séptimo arte, sino por la calidad que inyecta al campo de las producciones independientes nacionales en varios aspectos.

Además, tal vez a segunda vista los diálogos ausentes complementen la historia que algunos quedamos a medias de comprender. Lo que sí alcanzamos a vislumbrar con la producción es que talento y ganas de hacer cine desde este rincón de la república hay, y Realidades de Humo y Peyote pueden ser las bases de un buen porvenir cinematográfico potosino.

Podrá no ser perfecta, pero quien sabe a cuantos aspirantes a cineastas sentados en las butacas de la Cineteca haya inspirado a crear, y ese, por lo menos a mi humilde parecer, es el mayor mérito de todos.

The Maze Runner: Correr o Morir [Reseña]

Por lo regular estamos acostumbrados a escuchar, una y otra vez, que el libro siempre es mejor que la película, y por lo regular siempre es así. Pero hay algunos casos en que la película supera, mejora y ofrece una nueva perspectiva a lo que es la novela original, y precisamente ese fue mi sentimiento general tras el visionado un tanto tardío que tuve con The Maze Runner. Continuar leyendo “The Maze Runner: Correr o Morir [Reseña]”

Locke 2013 | Reseña. Al volante de tu vida.

Tom Hardy interpreta Ivan Locke, en esta cinta que debo decir, sólo me animé a verla porque aparecía Hardy en la portada, no vi trailers, no leí críticas, nada. Solo quise verla porque me agrada bastante el actor y para mi sorpresa fue mejor de lo que esperaba.

En un principio, por la fotografía y el ambiente dentro del automóvil, pensé que me encontraba ante la versión británica de Drive, pero bastaron solo 5 minutos para darme cuenta de cual era el rumbo que tomaría esta historia.

Quisiera contarles la sinopsis de esta cinta, pero no lo haré porque creo que es la magia de la misma, que vayas conociendo a Locke y la trama en la que se ha enredado, sin embargo les contaré con lo que me encontré.

Locke es una de esas cintas en las que tu mundo es un espacio reducido, por ejemplo, Buried, con Ryan Reynolds, donde todo transcurre dentro de un ataúd. Locke es muy parecida con la diferencia de que es en un automóvil rumbo a Londres. Durante la cinta conoceremos sobre el trabajo y la familia de Ivan, así como sus traumas psicológicos causados por un padre ausente durante su niñez y adolescencia. Y en menos de una hora logras familiarizarte con la moral, y principios de este hombre ante la adversidad.

Es una cinta muy interesante en la que Tom Hardy hace un gran trabajo, pues prácticamente se convierte en un monólogo con llamadas entrantes, mientras la suave música compuesta por Dickon Hinchliffe nos acompaña en el viaje que nos enseña como tu vida puede cambiar en unas cuantas horas y que depende de nosotros saber que tan mal podemos terminar, en el suelo derrotados o con la frente en alto.

El mayor mérito se lo lleva Steven Knight, escritor y director de la cinta, quien logra crear una gran uniformidad y al mismo tiempo evitar la monotonía y aburrimiento. A demás les recomiendo que una vez que hayan terminado de ver la cinta, investiguen un poco sobre los actores que prestan sus voces al teléfono, ya que se pueden llevar la sorpresa de que no son tan diferentes como se los imaginaban.

Locke es una grata sorpresa en esa pila de películas que casi nadie ve, un viaje introspectivo a la vida de un hombre que a pesar de todo, tiene la fuerza para seguir adelante con las decisiones que ha tomado.

Totalmente recomendada.

Las Brujas de Zugarramurdi | Reseña

Desde que vi los primeros avances de Las Brujas de Zugarramurdi, titulada como Witching and Bitching en inglés, me nacieron unas enormes ganas de verla ya que es una producción española que abordaba el género del humor negro, o el terror y la comedia, sin embargo, creo que al final solo es una prueba más de los buenos estándares de producción visual que pueden tener en el cine español.

Y aun cuando la esperé por tanto tiempo, no fue lo que pensaba, pues tenía la idea de que sería algo más serio, o al menos de mejor calidad en cuanto a su guión, porque el argumento está palomero, pero tiene una falta de no se que, que que se yo, que no termina de cuajar en mi cabeza y por lo tanto no me nace decir: “Sí, me gustó”.

Las Brujas de Zugarramurdi narra la historia de un par de ladrones de joyería que están huyendo rumbo a francia, en compañía de un taxista que secuestraron y el hijo de uno de los ladrones, pero para llegar rápidamente deben cruzar por el pueblo de Zugarramurdi, donde las leyendas habitan. Pronto se encuentran con un grupo de Brujas diabólicas que pretenden despertar al anticristo mientras son perseguidos por la policía y la madre del niño.

Es una buena producción, pero lamentablemente lo que más brilla, además de la actuación de Mario Casas que la hace de tonto, es la belleza y sensualidad de Carolina Bang. Y aun cuando tiene momentos que realmente causan gracia, son atropellados por aquellas bromas tontas al puro estilo del humor yankee.

Carolina-bang-sexy — Carolina Bang es toda Sensualidad

Algo que me gustó mucho es el juego de la luz en los ambientes oscuros que predominan en la cinta, la fotografía es uno de esos elementos que el cine español siempre saca a relucir.

Lamentablemente no recomiendo ampliamente ver Las Brujas de Zugarramurdi, pero si quieres crecer tu conocimiento sobre el cine en español es una buena opción. Lo mejor es que si estas muy aburrido y la quieres ver, puedes hacerlo desde Netflix, ya que ahí ya está disponible.

Reseña. The Boxtrolls (2014).

El jueves 11 de septiembre llega a las salas mexicanas The Boxtrolls, la nueva película de los creadores de ParaNorman (2012) y Coraline (2009), animada en stop-motion y basada en la novela Here Be Monsters del inglés Alan Snow.

La película sigue la historia de Eggs (o Huevo, en español), un niño criado por los boxtrolls, una raza de trolls que recolectan basura pero que están constantemente amenazados por Archibald Snatcher, un ambicioso cazador de trolls que busca liberar a la ciudad de Quesavilla de los boxtrolls, a cambio de un sombrero blanco que representa el derecho de sentarse con el concilio de hombres poderosos que degustan el queso más elegante de la ciudad. Eggs desconoce su naturaleza humana ya que desde que tiene memoria ha vivido con los boxtrolls, pero una noche sale a la superficie acompañado de sus amigos Fish y Shoe y conoce a Winnie, hija del prominente ciudadano que promete a Archibald su sombrero blanco, y ella le hace dudar de su identidad troll llamándolo niño.

Entre el cast de voz que aparece en la película en inglés tenemos a figuras queridas por muchos como Isaac Hempstead-Wright (o Bran Stark de Game of Thrones) interpretando a Eggs, Elle Fanning como Winnie, Ben Kingsley dando voz al antagonista Archibald Snatcher, e incluso Simon Pegg o Nick Frost. En el doblaje latino Huevo es interpretado por Emilio Treviño (Victor Frankenstein de Frankenweenie), Winnie por Melissa Gedeón (Liesel de The Book Thief) y Archibald por Juan Manuel Bernal (Runt de Chicken Little). La película, a simple vista, promete; pero ¿vale la pena?

Mi respuesta es: Sí, vale la pena. Al igual que las otras dos películas, la animación en stop-motion no tiene desperdicio, nos deleita la vista con unos personajes que parecen tener vida propia, y nos ambienta en un periodo oscuro parecido a las ciudades europeas del siglo XIX, efecto apoyado por el soundtrack de Dario Marianelli, que parece adecuado al ambiente general de la historia. La historia es en parte una crítica social, que además trata temas como la identidad individual, pero también es una divertida y vertiginosa aventura que, creo yo, tanto adultos como niños disfrutarán. Al menos yo la disfruté.

Observaciones finales: Si deciden ver la película (ya sea por la recomendación de éste su servidor o porque desean hacerse su propia opinión) quédense hasta después de los primeros créditos animados. La escena after-credits vale la pena.

Después de tanto palabrerío dejo a su alcance uno de los tráilers, en español:

http://youtu.be/2yhFAZMXOs0

El lado oscuro de la luz | Reseña

La ópera prima de Hugo Carrillo Brumbaugh, el lado oscuro de la luz, llega a las salas comerciales y creo que el boleto vale la pena.

La historia de la película esta basada en una historia de la vida real. Un asesino serial con un historial de conflictos familiares que, dice ser “el elegido de Dios” para ser verdugo de aquellos que considera deben o quieren morir. Protagonizada por Eduardo Mendizabal y el gran actor José Carlos Ruiz, quienes en sus escenas juntos demuestran que los grandes actores son aún mejores cuando se dejan dirigir por un director de experiencia.

José Carlos Ruiz y Eduardo Mendizabal

La película tuvo previamente exhibición en diversos festivales nacionales, como el FICA de Acapulco y Rodando Film Festival en San Luis Potosí , donde el director y los actores pudieron convivir con el público e interactuar de manera amena y receptiva.

La historia esta enfocada al suspenso y no al horror, cosa que se agradece ya que nos permite conocer al “monstruo” dentro del personaje, sus motivos primarios e incluso los momentos definitorios de su infancia y adolescencia que lo hacen terminar así, en lugar de enfocarnos en la matanza sin sentido (tan común en los slashers americanos) nos da el aspecto realista de la situación, lo que sólo nos genera un temor diferente. Pensar que el protagonista es tan común como cualquiera solo nos deja espacio para decir, ¡mi vecino podría ser así!

Una pistola y un par de huevos apaciguan el alma mejor que ir a misa los domingos.”

Sin embargo el gran guion es solo parte del atractivo de esta película, rodada de forma completamente independiente en la Cd. De México. Su dirección y su puesta en cámara son sobresalientes, rebosantes de simbolismo, jugando con las sombras, las líneas y las subexposiciones, todo en conjunto resulta algo muy disfrutable a la vez que inquietante.

El juego de la luz como parte integral de la puesta en cámara

La película puede resultar abrumadora si uno se deja llevar por el personaje y trata de creer sus justificaciones, ya que no se puede olvidar que esta historia es la de un asesino en serie que fue condenado a morir en la silla eléctrica por sus múltiples y atroces asesinatos y el director busca que nos demos cuenta de ello tanto como le es posible.

Moebius, de Kim Ki Duk | Reseña

Kim Ki Duk es de esos directores que incluso a aquellos que son expertos en el tema, al terminar la película, en más de una ocasión les deja sin palabras y tratando de procesar lo que acaban de ver. Muchas de sus películas quedan con algunas incógnitas, terminando en la libre interpretación para muchos, y además dejan impresionados a aquellos que aseguran haberlo visto todo, no necesariamente por ser explícita gráficamente.

Tristemente, no sé qué signifique Moebius. Y me gustaría saberlo. La palabra Moebius se utiliza en matemáticas, hay una función con este nombre, existe un síndrome también, y es el seudónimo del ilustrador francés Jean Giraud. Moebius puede ser muchas cosas, sin embargo aún no encuentro la relación entre ésta y la película, si alguien quiere explicármelo, lo agradecería mucho.

Moebius, nos cuenta una historia donde tienen lugar principalmente el incesto, el dolor y el placer. Se nos muestra a una familia: el padre, la madre y el hijo, pero no son una familia perfecta. El padre engaña a su esposa y es descubierto por ella y su hijo teniendo relaciones con su amante en su camioneta. Como venganza, la madre se decide a cortarle el pene a su esposo, y él se resiste, sin embargo, debido al éxito obtenido, decide cortárselo a su hijo, una vez hecho el acto, se va de la casa, El padre, cargando con la culpa de la amputación de su hijo, busca maneras de mitigar su dolor, y ayudarle a obtener el placer sexual que ya no podrá conseguir de la forma convencional, mientras busca también la posibilidad de un transplante.

Tenemos al hijo amputado, pero no sólo es eso. Aún en estos tiempos, algo que vemos más de lo que se debería, es la perpetuación de los roles de género, el hombre debe demostrar su masculinidad y capacidad como el hombre que se espera que sea, para obtener la validación de hombres mayores o iguales a él, esto sea con solvencia económica, por ejemplo, y por supuesto, las razones primitivas. Para muchos, uno no es hombre si no es capaz de someter a una mujer física, psicológica y sexualmente, una idea que aún se tiene, sobre todo en una sociedad sexista como la nuestra –Disclaimer: no escribo esto como un ataque a algún género, es sólo observación de lo que se vive diario-. El chico, sin su órgano sexual, no es capaz de cumplir esta necesidad, viéndose vulnerable ante los demás hombres, en especial en la adolescencia, etapa en la que se encuentra, y busca compensar esta falta y obtener la validación necesaria mediante la fuerza, peleando con otros y humillando cada que puede a su padre, y ante la madre más adelante, el hijo suplanta al padre, por razones que no diré porque sería un spoiler para muchos.

El padre es el que se resigna a recibir humillaciones por parte de su hijo y de esos pocos que descubren el secreto, pues es gracias a él que su hijo haya perdido algo tan importante, no visto desde el punto de vista de la fuerza y dominación, si no del placer, pues ya no podrá satisfacerse sexualmente de la forma común. Es entonces cuando esto se combina con los detalles budistas vistos en la película. Según las doctrinas del budismo, explicado de forma simple, la vida tiene dolor y sufrimiento, causadas por el deseo de otras cosas. Las personas pueden liberarse del sufrimiento, alcanzando la iluminación siguiendo el camino dictado por Buda. En Moebius, tenemos al dolor como castigo a costa del placer y como un medio para poder alcanzarlo, visto en las prácticas que encuentra y enseña a su hijo para alcanzar el orgasmo.

Moebius es como 3-Iron –Bin Jip en coreano o El Espíritu de la Pasión en español-, no hay diálogo. En los 90 minutos de esta historia todo se nos muestra sin palabra alguna, sólo con acciones. Impactante para muchos, absurda para algunos, pero es claro que Kim Ki Duk impresiona y deja de qué hablar.

Tom en el Granero | Reseña. Un violento auto-secuestro

Hablar de Tom en el Granero es hablar de una de las películas que me han tenido aferrado al borde de mi butaca hasta los créditos. Así de genial es. Y siendo una película dirigida por el enfant terrible Xavier Dolan no me esperaba menos. Continuar leyendo “Tom en el Granero | Reseña. Un violento auto-secuestro”

Stockholm, un amor de la noche a la mañana

Sería injusto de mi parte comenzar por decir que “Stockholm” de Rodrigo Sorogoyen es una historia de amor, porque aunque de cierta forma lo es, es más bien una reflexión sobre cómo se construyen ahora las relaciones humanas. Continuar leyendo “Stockholm, un amor de la noche a la mañana”